Après un voyage entre Paris et New York, je propose une nouvelle exposition de photographies à l’Hôtel & Spa La Belle Juliette, avec une célébration en noir et blanc sur le thème de l’Amour, juste à temps pour la Saint Valentin !
Elliott Erwitt compose des photographies, désormais iconiques, qui semblent sortir d’un film américain des années 50. René Groebli, avec sa série l’Œil de l’amour, se souvient avec tendresse et sensualité de son voyage de noces dans un petit hôtel parisien, en 1952. Dans les années 60, Karlheinz Weinberger accueille les jeunes rebelles qui se réfugient dans son appartement de Zurich pour vivre leurs premières amours, fougueuses et contestataires.
À la même époque, Léon Herschtritt photographie Les Amoureux de Paris et leurs sages étreintes dans les cafés de la
rive gauche. Plus près de nous, Catherine Balet revisite l’histoire de la photographie et met en scène son modèle, Ricardo, dans un hommage audacieux à Doisneau et à son Baiser de l’Hôtel de ville.
Jason Langer suggère la complicité d’un couple dans le détail d’un jeu de jambes. Flore, avec un diptyque issu d’une femme française en Orient, évoque l’intimité sensuelle dans de petits tirages précieux.
À travers les œuvres de sept artistes et un demi-siècle de photographie, cette nouvelle exposition-vente à la galerie BJ célèbre toute la beauté du sentiment amoureux dans l’environnement élégant et chaleureux du salon de l’Hôtel & Spa La Belle Juliette.
La Galerie Esther Woerdehoff exposera prochainement deux séries emblématiques des premiers travaux du photographe suisse René Groebli, né en 1927 : Magie der Schiene et Das Auge der Liebe.
Cette exposition présentera une sélection exceptionnelle de tirages vintage ainsi qu’une édition récente des photographies de ces deux séries, mises à l’honneur par la publication du livre René Groebli, Early Works par les éditions Sturm & Drang.
Exposition du 15 septembre au 23 octobre 2015
Vernissage et signature de son livre par l’artiste, le mardi 15 septembre, de 18h à 21h
Né en 1927 à Zurich, René Groebli prend ses premières photos avec un Rolleiflex en 1942 et commence à apprendre la photographie l’année suivante. En 1945, il étudie à l’école des Arts et Métiers de Zurich auprès de Hans Finsler puis se forme comme opérateur de cinéma et commence à expérimenter la photographie du mouvement. Dans les années 1950, il travaille comme reporter pour l’agence londonienne Black Star et publie dans les grands magazines de l’époque puis ouvre un studio de photographie publicitaire et industrielle qu’il conservera jusqu’à sa retraite. Reconnu comme un maitre de la couleur, il pratique tous les genres et suit les évolutions stylistiques et techniques de la photographie sur cinq décennies, dans une approche où l’avant-garde se mêle à une esthétique plus classique. En 1981, le photographe vend son fonds et s’installe en Provence où il redécouvre les possibilités du noir et blanc dans son travail personnel. Il continue à exposer et à publier son travail et, en 1999, le Kunsthaus de Zurich lui consacre une grande exposition rétrospective.
Magie der Schiene (la magie du rail) est son premier livre, publié à compte d’auteur en 1949. René Groebli est alors âgé de 22 ans, il commence sa carrière de photographe, voyage régulièrement hors de Suisse et prend le prétexte d’un trajet à bord de l’express Paris-Bâle pour réaliser ce travail personnel. Dans un style extrêmement audacieux, où l’on perçoit l’influence de la nouvelle objectivité et du Bauhaus et de l’école de Design de Zurich, Groebli crée une série profondément personnelle. Traversant la banlieue parisienne et la campagne française de l’après-guerre, René Groebli passe de la cabine du conducteur à l’intimité d’un wagon, fixe l’entrée des tunnels ou le tracés des lignes électriques dans le mouvement, photographie le travail des cheminots et les locomotives lancées à toute vapeur.
Par le jeu du grain, du flou et du contraste, et une exploration méthodique de son sujet, René Groebli parvient à restituer la vitesse et le bruit du train, la dureté du métal et l’odeur du charbon, livrant une œuvre expérimentale et radicale autour d’un sujet unique. De cette recherche esthétique formelle et rigoureuse nait un livre rare, sélection de 14 photographies accompagnée d’un poème d’Albert Ehrismann, un exercice de style exceptionnel pour l’époque qui fait immédiatement entrer son auteur dans la cour des grands. Édité en allemand et en anglais à 1000 exemplaires, encore récemment célébré par Martin Parr dans son Photobook et toujours recherché par les collectionneurs, Magie der Schiene a marqué l’histoire de la photographie.
Dans une approche radicalement différente, qui illustre la liberté de style que le photographe exercera tout au long de sa carrière, Das Auge der Liebe (L’Oeil de l’amour) retrace le voyage de noces de René Groebli et de sa femme, Rita, au début des années 50. Le couple s’étaient marié en 1951, mais le manque d’argent et de temps avait retardé leur voyage de noces. Trois ans plus tard, ils partent enfin célébrer leur amour à Paris et séjournent à Montparnasse dans un hôtel modeste. Le photographe prendra plus de 300 clichés, au Rolleiflex et au Leica. Le livre, publié en 1954, n’en retient que 25, sélection précise effectuée par René et Rita.
Dans un noir et blanc doux et délicat, le photographe réinvente le nu et dévoile les jambes, les seins, le corps de son épouse mais aussi son visage, ses mains et le décor de l’histoire. Dans cette chambre d’hôtel modeste de la France de l’après-guerre : rideaux en dentelle à angelots, lits de fer et papiers peints à fleurs, où s’épanouissent pourtant leurs amours débutantes. Cette vision sensuelle de l’amour conjugal sera qualifiée à l’époque de pornographie par un journal local zurichois. Pour nous, c’est un poème érotique et sensible : le photographe nous fait entrer dans la chambre à coucher et cette intimité offerte à l’objectif est le plus beau témoignage de son amour.
J’ai récemment eu le plaisir de présenter la candidature de la photographe Elene Usdin au Prix Niépce 2015 de Gens d’images, après avoir soutenu celle de Laurence Demaison en 2014.
J’ai découvert le travail d’Elene Usdin à l’occasion de la Carte Blanche que lui offrait le Prix PHPA à la Galerie Esther Woerdehoff en 2011. L’élégance effrontée de ses mises en scènes, la légèreté ludique et la composition précise de ses photographies m’ont séduites. Depuis, je continue à m’émerveiller devant sa créativité, sa liberté, et son engagement réfléchi de femme photographe, en particulier par l’autoportrait, contre tout carcan imposé aux corps ou aux esprits.
D’abord illustratrice et décoratrice de cinéma, formée aux Arts Déco, Elene Usdin n’est pas venue d’emblée à la photographie, qui lui était pourtant familière depuis l’enfance. Elle découvre le médium en 2003, comme un langage à part entière, qui renouvelle sa pratique artistique et la régénère.
Dans l’œuvre d’Elene Usdin, la photographie se fait le jeu du désir, l’expression des souvenirs de l’enfance, des rêves et les cauchemars qui nourrissent toujours son imaginaire. L’artiste raconte des histoires étranges, par bribes qui restent à interpréter. La femme – et surtout l’autoportrait – est son sujet de prédilection, travestie, métamorphosée, interrogeant le genre et les stéréotypes. Il y a des objets, abats-jours, matelas ou valises, qui s’animent et se détournent de leur vocation utilitaire pour devenir eux aussi des personnages.
Il y a le mouvement des corps, leur souplesse dansée, ces figures au repos, souvent endormies, parfois maltraitées, contraintes par leur environnement ou épanouies dans un paysage naturel, femmes transformées momentanément en objets – ou en reines – par la magie de la fiction. Il y a enfin le fil noir du déclencheur souple, exhibé dans l’image, cordon sensible qui relie le moi-modèle au moi-photographe dans l’autoportrait et atteste de la réalité technique de la prise de vue.
Cultivant une approche pluridisciplinaire issue de sa formation aux Arts Déco, les photographies d’Elene Usdin fixent un processus qui débute par le croquis, puis se poursuit dans la fabrication artisanale des costumes, accessoires ou décors. Son inspiration pioche dans l’histoire et l’histoire de l’art, les mythes, les contes et légendes, mais aussi dans la culture populaire actuelle, des muses aux super-héros. Revendiquant l’influence des Surréalistes ou d’Annette Messager, elle compose ses œuvres avec un imaginaire sans borne, une esthétique ludique et un humour mordant. Que ce soit dans son travail de commande ou dans ses recherches plus personnelles, Elene Usdin parvient à créer librement une œuvre singulière et d’une grande cohérence.
Le Prix Niépce 2015 de Gens d’images a été attribué à Laurent Millet, dont la candidature était présentée par Michel Poivert. Récompensé en 2014 par le Prix Nadar pour son livre Les enfantillages pittoresques publié par les éditions Filigranes, le photographe est représenté par La Galerie Particulière, à Paris.
Chromatic society, série documentaire en 4 épisodes par Arte creative
L’Afrique du Sud d’aujourd’hui à travers l’objectif de ses photographes : Guy Tillim, David Goldblatt, Mikhael Subotzky, Jodi Bieber, Zanele Muholi et Pieter Hugo
L’ensemble du travail de Pieter Hugo sur le site de la Stevenson Gallery
à lire …
Des entretiens avec Pieter Hugo, qui évoque son approche de la photographie et ses différentes séries.
Sur l’ensemble de son travail, sur Vice Sur la série The Hyena and Other Men, sur Vice (en anglais)
Sur la série Messina / Musina, sur ASX (en anglais)
Karlien de Villiers, Ma mère était une très belle femme, çà et là, 2007.
Une bande dessinée autobiographique et intimiste sur une enfance blanche dans l’Afrique du Sud de l’Apartheid.
et en bonus …
My Food, à Montreuil, un des rares restaurants de cuisine sud-africaine autour de Paris, dont le chef, Kobus Botha, est aussi l’auteur du livre Barbecue et autres recettes d’Afrique du Sud paru aux éditions Mango.
A l’occasion du 8 mars, Journée Internationale des Droits des Femmes, et alors que la question de la représentativité des artistes femmes reste problématique, même en France, je vous propose une sélection très personnelle et complétement subjective de 8 femmes photographes, de 26 à 80 ans.
Maia Flore (*1988), remarquée en 2011 au Festival Circulation(s) vient de remporter le Prix HSBC pour la Photographie 2015 (avec Guillaume Martial). Son travail sera exposé à la Galerie Esther Woerdehoff du 12 mai au 6 juin 2015.
Après des études à l’École des Gobelins, Isabelle Alexandra Ricq (*1983), réalise des reportages photographiques au long cours, sur l’environnement et l’exploitation des ressources naturelles, régulièrement publiés dans la presse. Cette photographie est issue de la série The Men Who Sold The World, une enquête sur la production intensive d’huile de palme à Bornéo et au Cameroun.
Découverte à l’occasion de sa participation au Prix PHPA 2013, où elle remporte le Prix spécial du jury avec Le Cygne, Juliette Bates (* 1983) est venue à la photographie après une maîtrise d’Histoire de l’Art sur la photographie de phénomènes de foire à la fin du XIXème siècle. Dans sa série Histoires Naturelles, une figure féminine vêtue de velours noir nous invite dans un cabinet de curiosités, où oiseaux, insectes et crâne mis en scène questionnent la fragilité de la condition humaine et sa relation à la nature. Un conte étrange où la photographie, telle une taxidermie, tente de conserver le temps qui passe.
Ailes, Plumes, Terre, exposition de la série Histoires Naturelles de Juliette Bates à la Galerie BJ de l’Hôtel La Belle Juliette, avec la Galerie Esther Woerdehoff, du 18 mars au 31 mai 2015.
Le site internet de Juliette Bates
Née en 1972, Sabine Guédamour a vécu plusieurs années aux États-Unis où elle a participé à la création de la Tilt Gallery à Phoenix, spécialisée dans les procédés anciens ou alternatifs. De retour en France, elle étudie la photographie à l’École Spéos et devient directrice artistique de la Galerie Esther Woerdehoff. En 2010, équipée d’une lourde chambre photographique et d’un trépied, Sabine Guédamour découvre le Val de Consolation, aux sources du Doubs. Dans ce projet toujours en cours, elle photographie la lumière, l’eau et la végétation d’un paysage magique et tire ses images avec le procédé ancien du palladium, révélant l’émerveillement de cette beauté naturelle.
Née en 1971, Elene Usdin sort diplômée de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs en 1996. Artiste plasticienne, illustratrice et photographe, elle construit depuis 2002 une œuvre multiple, à la fois précise et légère. La femme est le sujet favori de ses séries, dans une approche qui se joue du genre et des stéréotypes et où elle n’hésite pas à se mettre elle-même en scène avec ironie et fantaisie.
Née en Haute-Savoie en 1965, Laurence Demaison étudie à l’École d’architecture de Strasbourg. Elle aborde la photographie en autodidacte vers 1990 et décide rapidement de se consacrer à l’autoportrait. Utilisant toutes les possibilités de l’argentique, de la prise de vue au tirage, l’artiste dissimule, cache, déforme et altère sa propre image. Elle devient alors une apparition fantastique, un double fantomatique, dans une quête d’identité singulière. L’appareil photographique renvoie une vision de soi «à travers le miroir», entre beauté et cruauté, dans une œuvre à la fois multiple et toujours extrêmement cohérente.
Née en 1952 en Suisse, Simone Kappeler commence à prendre des photographies dès l’âge de 11 ans. En 1981, après ses études de photographie, elle entreprend un voyage de quatre mois à travers les États-Unis au volant d’une vieille Gran Torino. Ces images, tirées seulement en 2010, nous plongent dans un univers de sensations, une représentation personnelle du rêve américain. Hasselblad, Leica, Diana, Brownie, Polaroid, appareil jetable, films périmés ou infrarouges, depuis 1970, Simone Kappeler explore tous types de techniques photographiques dans une œuvre expérimentale et sensible.
Monique Jacot est née en 1934 à Neuchâtel et devient photojournaliste à une époque où ce métier est majoritairement masculin. Dès 1959, elle part régulièrement en mission pour l’OMS et la Croix-Rouge dans les pays en voie de développement et elle voyagera dans le monde entier pour ses reportages. Depuis 2000, elle se recentre sur son œuvre artistique, qui a toujours coexisté avec son travail de reportage. Un voyage en Égypte l’amène à une recherche formelle où paysages et natures mortes s’assemblent dans une poésie de lumière. Elle utilise le polaroid en transfert et surimpression, crée des photogrammes, épreuves uniques et oniriques virées aux métaux précieux qui fixent l’empreinte de plumes, de mues de serpent ou de fleurs et elle explore les environs de sa campagne suisse, sujets naturels de ses photos.
